Un viaje por el alma galdosiana a través de sus objetos más queridos. Es el espíritu de la exposición temporal ‘De lo privado a lo público. Últimas adquisiciones y donaciones. 2019-2023’ que se inaugura en la Casa-Museo Pérez Galdós el día 14 de mayo, a las 10:30 horas, conformada por 65 piezas de diversas tipologías. La citada exposición permanecerá abierta al público de forma gratuita hasta el próximo 24 de noviembre

La consejera de Cultura del Cabildo de Gran Canaria, Guacimara Medina Pérez, Alicia Bolaños, jefa del Servicio insular de Museos y Victoria Galván, directora de la Casa-Museo Pérez Galdós serán las encargadas de presentar esta exposición a la ciudadanía, como ejemplo del esfuerzo conjunto por reunir un fondo museístico a la altura de la vida y obra del escritor español más importante, después de Cervantes. Una vez inaugurada, la exposición podrá visitarse en el horario habitual del museo, de 10:00 a 18:00 horas, de martes a domingo.

La directora de la Casa-Museo galdosiana, Victoria Galván, aclara que “una parte de la colección que se da a conocer procede de una donación de la rama madrileña de la familia, mientras que la última se ha adquirido recientemente a los representantes legales de toda la familia”. De hecho, los bienes de esta última adquisición fueron presentados públicamente el pasado mes de enero.

Esta muestra contiene 65 piezas de distintas tipologías, entre las que encontramos mobiliario, artes decorativas, pintura, escultura, fotografía y documentación original, donde destacan, según el equipo responsable de la exposición, los borradores de las ilustraciones de los Episodios Nacionales y los manuscritos de las obras del autor.

Los procesos de adquisición de obras han sido posible gracias a la voluntad de los descendientes de don Benito que, mediante la transmisión de sus objetos personales, continúan aportando nuevas perspectivas sobre su personalidad y sus gustos. La exposición traza así un complejo horizonte en el que se vislumbra la cotidianidad del célebre escritor: sus amistades, su familia, su pasión por el mundo en el que vive y su historia, su relación con el arte y la cultura, e incluso la dedicación que imprime a sus obras de un carácter universal.

El objetivo final es acercar la figura de Benito Pérez Galdós a la sociedad, materializar su vida a través de los objetos que convivieron con él convirtiendo el ámbito de lo privado en motivo de disfrute público.

Un San Quintín en Triana

No fue un simple anhelo estival. Santander marcó su vida y su obra. La villa de San Quintín fue el único lugar donde el escritor canario decidió tener una vivienda en propiedad, un espléndido palacete frente a la bahía donde escribió parte de sus Episodios Nacionales, novelas y obras de teatro. Allí cultivaba su huerto y amistades inquebrantables. Allí pintaba, tocaba el armonio y alimentaba, además de las tertulias literarias, a los animales de su finca.

“La única frase que explica bien el valor de las piezas de la adquisición es que tienen su origen en la propia intimidad y vida doméstica del escritor, al tratarse de objetos y piezas propios de su hogar santanderino”, asegura Victoria Galván, responsable de la Casa-Museo Pérez Galdós en Las Palmas de Gran Canaria. “Son objetos personales, adquiridos por el autor para la casa que se construyó en Santander. La única diferencia entre la varia tipología mostrada en esta exposición con respecto a los objetos elegidos por el escritor para decorar su vivienda está en los manuscritos, de los que puede decirse que son originales, autógrafos. O el libro de hidalguía, que es una posesión familiar que conservó el propio autor. Las fotografías también informan de la proyección de la obra del escritor en el ámbito artístico del cine o del espacio de la amistad y de las relaciones artísticas o literarias”, enumera la directora, para destacar los objetos más valiosos de la muestra.

A la hora de resaltar las piezas emblemáticas de la exposición, en cuanto a pinturas, podrían ser las de Hispaleto, Emilio Salas, Arredondo o Fenollera. En el mobiliario, llama la atención un imponente y original mueble bar francés, en perfecto estado. Hay piezas decorativas exóticas y muy del gusto oriental de finales del siglo XIX, como un panel oriental. Y en fotografías, destaca una verdadera joya: el álbum de fotografías del rodaje de la primera versión de la película ‘El abuelo’.

El Libro de hidalguía de la familia y los manuscritos de las novelas ‘La de bringas’ o ‘La familia de León Roch’ completan los ‘tesoros’ que la ciudadanía podrá descubrir en esta exposición temporal.

Visitas guiadas

Para realizar un acercamiento más especial y contextualizado a las principales piezas que componen la muestra ‘De lo privado a lo público’, la directora de la Casa-Museo será la encargada de conducir dos visitas guiadas, el día 23 de mayo, a las 19:00 y a las 20:00 horas. Las plazas son limitadas, por lo que se requiere inscripción previa en el museo o en la dirección:  Esta dirección de correo electrónico está siendo protegida contra los robots de spam. Necesita tener JavaScript habilitado para poder verlo..

La exposición ‘Deshilar la colección. Urdimbres de lo sagrado. Tramas que des(a)nudan amarres’ es un proyecto artístico y personal de la artista lanzaroteña M. Nieves Cáceres, que abarca la temática de lo Sagrado. Desde la veneración de lo divino y lo humano se contrasta la imaginería religiosa con la biodiversidad de la naturaleza ,y se confronta con una decena de piezas de la colección de la Casa de Colón. Nieves Cáceres es una artista multidisciplinar y, como tal, propone, como colofón a esta exitosa muestra, la performance ‘Flor de mediodía’, un homenaje al campesinado lanzaroteño que se pone en escena el día 2 de mayo, a las 19:00 horas, con entrada libre y gratuita, hasta completar aforo

La puesta en escena se fundamenta en una acción donde la autora realiza una recogida de plantas rastreras, en la isla de Lanzarote, denominadas vulgarmente ‘barrilla’, para excavar un hoyo, con el tamaño de su cuerpo, en tierra de cultivo, cubrirlo con las plantas recolectadas y extender luego una sábana encima con la intención de dejar un rastro de su cuerpo en la tela, a modo de estampación o grabado performativo. Con el resultado de esa acción previa, ‘Flor de mediodía’ pone en valor la capacidad de trabajo de los campesinos conejeros para la obtención de alimentos como algo sagrado.

M. Nieves Cáceres es una artista multidisciplinar lanzaroteña que propone un recorrido visual y conceptual entre las piezas de su creación, en conversación con las obras de la colección propia de la Casa de Colón, el museo americanista de Vegueta, gestionado por el Cabildo de Gran Canaria.

‘Urdimbres de lo sagrado’ es una exposición que aúna la imagen, la literatura y la acción poética, en vinculación con diez piezas pertenecientes a la colección artística de la Casa de Colón. Su autora, M. Nieves Cáceres, artista multidisciplinar lanzaroteña, confronta su trabajo artístico con obras del siglo XVI al XVIII, o incluso a través de piezas precolombinas, con las que rompe el tiempo lineal propio de la Historia del Arte desde el lenguaje poético.

Entre sus diferentes secciones, Cuerpo Sagrado, Cuerpo Onírico y Cuerpo de Fe, la autora abarca la temática de lo sagrado aunando imagen, literatura y acción poética, y reflexionando entre otros temas sobre la colonización, la santería, la brujería, la esclavitud, el mestizaje y lo onírico.

Programa de actividades paralelas

La muestra se ha complementado, además de con las habituales sesiones de ‘Miradas a la exposición’, con un conversatorio que desgranó algunas de las piezas más destacadas, de forma artística, pero también literaria, de la mano de la propia artista y del escritor Nilo Palenzuela. Pero también se celebró una jornada de teatro familiar y un programa educativo que ha permitido a los centros escolares la posibilidad de adentrarse en este espacio expositivo singular. Las actividades paralelas se han completado con un taller para mujeres, coordinado por Gloria Godínez y vinculado a los textiles que permiten ‘tejer historias’, y la performance, ‘Flor del mediodía’, el día 2 de mayo, con la que culminará la exposición.

De Venus a Goya

“La propuesta se fundamenta en abarcar la temática de lo sagrado desde distintos enfoques”, trata de explicar la creadora multidisciplinar M. Nieves Cáceres, sobre su proyecto. “No solo desde una conceptualización religiosa, la cual se toca de manera crítica o irónica, sino abordando el sincretismo de lo religioso-espiritual, al plantear opciones como el animismo, o el mundo de lo onírico como una opción vinculada al surrealismo pero también al origen, a los rituales de iniciación o a las visiones, por ejemplo”, argumenta.

“Mi intención, desde el principio, era buscar un diálogo con obras de la colección de la Casa de Colón, lo cual ha resultado muy gratificante porque, si bien tenía claro el crear nexos con algunas obras concretas, otras han sido sugerencia del propio equipo del museo al ver algunas de mis piezas, dado el conocimiento exhaustivo que mantienen del legado que custodian”. Así, por ejemplo, surge la circunstancia de que las piezas ‘La bruja’, o ‘Confesa’, donde se bordan en tela nombres de mujeres que fueron procesadas durante la Inquisición en Canarias, dialoguen con un grabado de Goya, concretamente uno de sus aquelarres , ‘Disparate ridículo’ (1875). “¡Todo un lujo!”, exclama Cáceres.

Son 19 obras propias de la artista, más otras 10 de la colección, que ocupan las tres salas de exposición temporal del Museo, divididas bajo la premisa conceptual de: Cuerpo sagrado, Cuerpo onírico y Cuerpo de fe, lo cual encaja muy bien en lo que podría interpretarse como una “naturaleza trinitaria”, a juicio de su creadora. A través del lenguaje poético, y con la intencionalidad de romper el tiempo lineal de la Historia del Arte, tan pronto una pieza precolombina, como la Venus Valdivias, de la Cultura Valdivia (Ecuador), fechada en 3500 - 1500 a.C., dialoga con una fotografía, como un plotter sobre tela lo hace con una tabla flamenca del siglo XVI, ‘La Magdalena penitente’ de Maestro del papagayo (1545-1550). El objetivo es así “contrastar Antigüedad, Edad Media o Moderna con propuestas contemporáneas”.

El creador José Luis Luzardo (1958) ocupa la sala de exposiciones del Centro de Artes Plásticas de la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario con su muestra individual titulada ‘Poéticas del deseo’, cuyo discurso gira alrededor del sexo, la religión y la enfermedad, empleando el preservativo como eje con el que genera un discurso con el dildo y la vagina a modo de pieza artística

Luzardo, que inaugura esta entrega el día 18 de abril, a las 19:00 horas, en el citado espacio ubicado en el número 8 de la calle Colón, en Vegueta, asegura que esta propuesta (vinculada a la convocatoria de proyectos expositivos del año 2022 impulsada por la consejería de Cultura del Cabildo grancanario) surge a raíz del impacto del sida en los años 80 y el contagio de la enfermedad como estigma mundial, fundamentalmente en los países más pobres. En sus distintas series en las que ha trabajado recurrentemente desde hace años se ha propuesto presentarnos un discurso cuyo interés reside en la capacidad de deconstrucción y resignificación de lo ‘marginal’.

Desde el año 2002 viene trabajando Luzardo con el dildo intervenido como objeto artístico, invitando al público a una reflexión a través de la imagen y de los textos sobre la vida y la sexualidad que tanto tabú levantan en la sociedad desde tiempos remotos hasta la actualidad. Sus primeras piezas surgieron en forma de objeto y a raíz de ello, propuso entonces la realización de otro tipo de obras vinculadas a la fotografía y la instalación, muchas de ellas con una estética muy ‘kitsch’.

“Los objetos se construyen o modifican al cambiar el empleo que se les presupone, sean cajas o botellas de colores con penes que representan lo fálico. Dildos fetichizados que funcionan independientemente de quien pueda usarlos, desde otro imaginario posible. La vagina, a su vez, se convierte en dosis de color, al conformar el mandala del deseo, un círculo que representa el origen del mundo, pero también una reflexión respecto a la violencia de género. Imágenes, desde una concepción u otra, que indagan en el paradigma de las diferencias sexuales y sobre la vida y la muerte”, explica el creador, del que el Centro Atlántico de Arte Moderno (CAAM) exhibe también una de sus obras, ‘La última partida 1968’, inscrita en esta estética de dildos en la muestra ‘Memoria reciente. Prácticas contemporáneas en la colección del CAAM’.

La exposición ‘Poéticas del deseo’ coincide en el tiempo con la muestra que actualmente se exhibe del creador en la Casa de la Cultura Agustín de la Hoz de Lanzarote, titulada ‘A vueltas con la tierra’.

El artista reflexiona con sus obras alrededor de la dimensión del sexo como tabú y como elemento que a lo largo de la historia ha levantado tanta inquietud en la sociedad, a través de la ironía, el humor y la crítica. El dildo como un elemento o imagen totémica, vinculado a la ritualización, a la mitología del origen, al placer o al erotismo, capitaliza el discurso plástico de Luzardo, quien destaca “su uso común entre las distintas sexualidades (transgénero, transexual, binarismo, lesbiana, homosexual, heterosexuales, etcétera)”.

El coleccionista de arte y comisario expositivo Antonio P. Martín avanza que Luzardo “ha desarrollado una intensa trayectoria artística caracterizada por el compromiso social y crítico en torno a la investigación y la reflexión inspiradas en lecturas de obras de arte, en forma de un discurso artístico rompedor, osado, iconoclasta, rebelde y jovial que nos obliga a detenernos ante sus piezas y a que veamos de una forma crítica el mundo que nos rodea".

Vinculada a esta muestra, el próximo día 23 de abril, a las 18:00 horas, tendrá lugar en la sede del Centro de Artes Plásticas, una jam sesión de relatos eróticos en la que participará como maestra de ceremonias la escritora y artista visual M. Nieves Cáceres, que leerá algunos fragmentos de su libro ‘Fluidos de Jade’ y elegirá un verso y una pieza de la muestra de Luzardo, elementos con los que el público tendrá 20 minutos para componer un microrrelato, que luego se leerá en voz alta.

Aunque no se haya logrado determinar su etimología, el vocablo dildo procede del inglés, que deriva del acuñado para designarlos en la Italia de finales del Renacimiento, ‘dilletto’ (placer) donde tanto la palabra como el objeto tienen uso acreditado desde hace siglos. En el mundo romano, las representaciones bidimensionales y tridimensionales de los penes resultaban muy corrientes. Poseían no solo una función erótica, sino también mágica y apotropaica. Es relativamente sencillo descubrirlos en mosaicos, frescos, vajillas o paredes. De hecho, el año pasado fue encontrado un consolador romano de madera de fresno de hace 2.000 años de la época del emperador Antonino, en un fuerte del siglo II en Reino Unido.

La muestra ‘Poéticas del deseo’ se mantiene abierta en el Centro de Artes Plásticas del Cabildo grancanario hasta el día 17 de mayo, y puede ser visitada de lunes a viernes, de 10:00 a 14:00 y de 17:00 a 20:00 horas.

La muestra ‘Influencias y creencias [Influencers & Beliefs]’ se inaugurará este viernes 5 a las 12.00 horas, y contará con una performance en directo

Este proyecto instalativo y multimedia podrá disfrutarse hasta el 31 de mayo

¿Nos sentimos más solos que nunca? La artista Paula Ducatenzeiler presenta en la Sala de Arte Contemporáneo (SAC) de Santa Cruz de Tenerife la exposición ‘Influencias y creencias [Influencers & Beliefs]’. Este proyecto, de carácter instalativo, indaga en la soledad colectiva en la era de la comunicación digital, y en defensa de la unión colectiva y artística como únicas herramientas para construir una realidad habitable. El proyecto cuenta con trabajos de videoperformance, instalación y fotografía. La inauguración será este viernes 5, a partir de las 12.00 horas, y contará con una performance en directo relacionada con el contenido de la muestra. Podrá visitarse hasta el 31 de mayo en este espacio expositivo.

Ducatenzeiler apunta como su exposición “es un llamado a la unión de generaciones y colectivos. Una invitación a reflexionar y criticar lo que nos sucede a nivel personal, social y artístico”. Portadas de revistas, stickers… La artista crea un personaje a través de diferentes autoretratos en los que performa a una influencer en torno a una ‘Pieza fundamental’ en la que ironiza sobre las estéticas y poses propias de las redes sociales.

«En la instalación, parodio, con una mirada satírica, las estructuras y políticas del mundo artístico desafiando las normas establecidas en el mercado del arte contemporáneo. Es un constante juego entre la realidad y la ficción. Una representación que se vuelve tan real que se entrelaza con la obra misma, y ahí radica la esencia del juego», apunta.

A través de soportes multimedia, ‘Influencias y creencias [Influence-r-s & B-e-liefs]’ celebra la creación artística como forma de vida y reflexiona acerca de la relación que establece con la comunicación digital. “La hiperconexión en la que vivimos no siempre sirve para unir sino también para separar, delimitar, diferenciar, excluir o esquivar; produce soledad y nos convierte en una especie de ‘pretenciosos fantasmas con memoria futura’”, explica la artista.

Paula Ducatenzeiler (Las Palmas de Gran Canaria, 1985) estudió Bellas Artes en la Universidad de La Laguna. Su eje conductor es la multidisciplinariedad y desarrolla sus proyectos artísticos entre el lenguaje audiovisual y la performance. En los últimos años, ha llevado a cabo sus proyectos de investigación en diversos centros de arte de Berlín, incluido el Alte Münze y GH36 Gallery y ha sido seleccionada como artista en residencia en el Centro de Arte La Regenta. Exhibiendo en algunos de los principales Centros de Arte de Canarias, como el CAAM – Centro Atlántico de Arte Moderno y La Casa de Los Coroneles.

‘Laetitia’ está conformada por una serie de 24 cuadros en formato circular que surgen del proyecto de ilustración al poemario del mismo nombre del escritor de Firgas Jesús Cabrera. Felipe Juan, el pintor simbolista grancanario. exposición en la Casa-Museo Antonio Padrón-Centro de Arte Indigenista de Gáldar el día 3 de abril, a las 19:00 horas. La muestra estará abierta al público hasta el próximo 12 de mayo

Además del autor de las obras de la muestra, en la inauguración participarán la prologuista del libro, Carmen Reyes, y Juan Francisco Santana, escritor y presentador habitual de las exposiciones de Felipe Juan.

Cada obra se deriva de lo que el pintor interpretaba tras la lectura de los poemas, con algunas premisas también. “La predominancia del color verde, guiños a Santander (ciudad donde nace la madre del poeta, pero también donde nace mi segunda madre, Carmen Cobo); al pintor Magritte, que a ambos nos gusta, junto al empleo de la rosa, la flor de mundo, y al bombín, que identifica al escritor en su indumentaria”, trata de explicar el artista sobre la esencia de este trabajo.

El profesor y escritor Juan Francisco Santana explica que ‘Laetitia’ “es un proyecto literario-plástico en el que la poesía de Jesús Cabrera y la creación plástica-pictórica de Felipe Juan se dan la mano. Las 24 obras, de pequeño formato, tienen un significado curioso, concretamente son un símbolo de divinidad y perfección, ya que su redondez hace referencia a que no tiene principio ni fin, dejándonos la posibilidad de que la imaginación, si cabe, entre en un diálogo cuasi infinito con aquel que se acerque a contemplarlas”.

Trayectoria de Felipe Juan

Nacido en Las Palmas de Gran Canaria en 1974, pero de Valleseco de corazón, el artista conocido como Felipe Juan se traslada en sus primeros años a Caracas (Venezuela), desde donde regresa años después para residir en Gran Canaria (Islas Canarias) donde lo hace desde entonces.

Se diploma en Delineación, en la especialidad de Edificios y Obras, para luego completar su formación artística con la Formación en Dibujo y Pintura de CEAC Barcelona y con los estudios en la Escuela de Artes y Oficios de Gran Canaria.

Ha sido discípulo de diferentes artistas canarios. Ha expuesto individualmente, a partir de 1998, en todos los municipios de Gran Canaria y en todas las islas del archipiélago (incluida La Graciosa), pero también en Madrid, Barcelona (donde ha acudido con regularidad), Mallorca, Guipúzcoa y Almería. Ha participado también en exposiciones colectivas en Canarias, Península y otros países (Alemania, Holanda, Japón, Miami, Francia, Venezuela, México...).

Fundó un Colectivo de Artistas canarios simbólicos llamado ‘Aurismo’. Conjuntamente a su labor profesional, colaboró y participó con la ONG ADA, más de veinte años, donde ejerció la tarea de secretario de esta entidad. Es vicepresidente del Colectivo de Artistas Aruquenses. Desde el 2021 es coordinador de Cáritas en Santidad (Arucas)

Cada año presenta una serie nueva enmarcada en un proyecto multidisciplinar que combina poesía, música y pintura, desde el año 2013 de forma exclusiva en Valleseco (Gran Canaria). También ilustra cada año un poemario dedicado a municipios de Gran Canaria.

La muestra “MÍRAME. Mujeres Artistas de Firgas” bajo la organización del colectivo La Vinca Ecologistas en Acción y la concejalía de Políticas de Igualdad del Ayuntamiento de Firgas, será inaugurada el próximo jueves 7 de marzo de 2024, a las 19.00 horas, en la sala de exposiciones del Centro Socio-Cultural LA CASA VERDE de Firgas, dentro de los actos del DÍA DE LAS MUJERES 2024 en la Villa del agua

Este proyecto es la continuidad de otro desarrollado en 2020 bajo la denominación “Cuerpas”, y pretende seguir visibilizando el trabajo de multitud de mujeres residentes en el municipio de Firgas que desarrollan una intensa labor artística y creativa y que por diferentes motivos no siempre pueden ser mostradas al gran público.

Esta muestra artística abre un espacio creativo que pretende mostrar que ellas también son activas, creativas, propositivas… y que deben tener su espacio en el mundo de la Cultura de la Villa.

En “MÍRAME” se expone una variada muestra de creaciones artísticas de mujeres, tanto en fotografía, ilustración, dibujo, pintura, collage, relato, poesía…, con diversos estilos y sumamente creativas, algo que viene a constatar que existe base artística entre las mujeres de Firgas y que con proyectos como éste se les anima a mostrar sus trabajos creativos en público.

Un total de diecisiete mujeres, de edades diversas, muestran sus obras hasta el 27 de marzo en el Centro Socio-Cultural La Casa Verde de Firgas, ellas son: Teresita Arencibia Mejías, María Díaz Sánchez, Ned Estévez Delgado, Olivia Falcón Falcón, Samira González de la Fe, Yolanda González Santana, Susana Guerra Mejías, Lisamá Marrero Vega, Paqui Mejías Herrera; Rosina Mejías Herrera, Aránzazu Mujica Alonso, Mónica Navarro Marrero, Josefa Rodríguez Acosta, Carolina Rodríguez Medina, Luisa Rodríguez Pérez, Inmaculada Rodríguez Suárez y Emérita Santana Sánchez, y nos mostrarán su arte todos los miércoles, jueves y viernes de 18.00 a 20.00 horas, y con horarios especiales para colectivos y centros educativos que así lo soliciten.

El circuito de Artes Plásticas ‘Itineraria’ que impulsa la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario a través de su Centro de Artes Plásticas, inaugura el día 1 de marzo en la Sala manolo Mherc del Centro Cultural Federico García Lorca de Ingenio, la muestra individual de la creadora visual gallega Pilar Boullosa, ‘A la deriva’

Hasta el próximo día 17 de marzo estará abierta esta exposición en cuya organización ha colaborado el ayuntamiento de Ingenio, que podrá disfrutarse con entrada gratuita de lunes a viernes, de 17:00 a 20:00 horas.

El trabajo plástico actual de Boullosa gira en torno a la Naturaleza, definiéndola como la armonía del conjunto de los seres vivos y la materia inerte. En esta muestra emplea para realizar sus obras microplásticos como materia prima de su propuesta artística junto con otras piezas del mismo material, pero de mayor tamaño. Por ello, la mayoría de sus obras están elaboradas con plástico encontrado en la playa de Bocabarranco, ubicada en el norte de Gran Canaria. “Por un lado, siento la obligación social de colaborar en limpiezas de playas y, por otro lado, quiero darle una segunda vida a este material recolectado (que no puede ser reciclado) a través del arte”, explica la artista.

“Mi foco se sitúa sobre la especie humana y su relación con la misma, una conexión marcada por el impacto social, en la que la demanda de recursos de los seres humanos perpetúa una transformación constante sobre la Tierra, corrompiendo su equilibrio vital y abocando a la misma hacia un destino incierto. Busco representar los éxitos y fracasos de la humanidad como colectivo y especie, determinados por su nivel de responsabilidad social y ecológica dentro del contexto de la globalización”, señala la creadora.

“Desde mi experiencia entiendo el proceso creativo como un procedimiento mental muy ligado a mi cotidianidad. Como artista visual entiendo el arte como una herramienta para la concienciación y, a su vez, la práctica artística me ayuda a relacionarme y a conocer mejor el medio que habito a nivel ecológico y etnológico”, añade.

La consejería de Cultura del Cabildo grancanario inaugura el día 25 de enero, en la Sala de Exposiciones del Ateneo Municiapal de Vecindario, la muestra del artista Juan Cabrera (1966), ‘Cuadernos de viaje’, que reúne una colección de pinturas y esculturas que formulan su discurso alrededor de la figura humana como vehículo de expresión

La citada exposición, que podrá contemplarse en el mencionado espacio cultural de Santa Lucía de Tirajana, hasta el día 16 de febrero, forma parte del Circuito ‘Itineraria’ que impulsa el Centro de Artes Plásticas del Cabildo en estrecha colaboración con los municipios de la isla. La exposición ‘Cuadernos de viaje’ permanece abierta de lunes a viernes, de 9:00 a 21:00 horas, con entrada libre. El ayuntamiento de Santa Lucía de Tirajana ha colaborado en la organización de la exposición que recorrerá con posterioridad otros municipios.

Cabrera, al que le interesa todo lo que tenga que ver con el arte en todas sus manifestaciones, aunque su gran pasión es la pintura, trabaja con diversos materiales indagando preferentemente en la figura humana.

Juan Cabrera se acerca a la creación artística desde su realidad interior, intentando ahondar en la esencia humana. La representación de la figura del ser humano, con todas sus grandezas y sus miserias, vertebra el grueso de su obra, concediéndole la oportunidad de indagar sobre sí mismo y sobre quienes le rodean. Conocer a los otros es un modo de conocernos a nosotros mismos, y de profundizar en nuestra constante relación con lo mundano y lo divino, lo femenino y lo masculino, el amor, el odio, la piedad, la comprensión, la curiosidad, la guerra y la paz.

Retoma así Cabrera el concepto del Renacimiento, que aunaba arte y humanidad. Desde su punto de vista, ‘Cuadernos de viaje’ es una página más en su vida y en la de todos nosotros, una representación del ser humano que busca transmitir su esencia y su modo de sentir a través del arte figurativo, expresionista y abstracto.

El circuito de Artes Plásticas ‘Itineraria’ que impulsa la Consejería de Cultura del Cabildo grancanario a través de su Centro de Artes Plásticas, inaugura el día 16 de enero en el Museo Agáldar, la muestra individual de la creadora visual gallega Pilar Boullosa, ‘A la deriva’

Hasta el próximo día 9 de febrero estará abierta esta exposición en cuya organización ha colaborado el ayuntamiento de Gáldar, que podrá disfrutarse con entrada gratuita de lunes a viernes, de 9:00 a 18:30 horas, así como los sábados y domingos, de 10:30 a 18:30 horas.

El trabajo plástico actual de Boullosa gira en torno a la Naturaleza, definiéndola como la armonía del conjunto de los seres vivos y la materia inerte. En esta muestra emplea para realizar sus obras microplásticos como materia prima de su propuesta artística junto con otras piezas del mismo material, pero de mayor tamaño. Por ello, la mayoría de sus obras están elaboradas con plástico encontrado en la playa de Bocabarranco, ubicada en el norte de Gran Canaria. “Por un lado, siento la obligación social de colaborar en limpiezas de playas y, por otro lado, quiero darle una segunda vida a este material recolectado (que no puede ser reciclado) a través del arte”, explica la artista.

“Mi foco se sitúa sobre la especie humana y su relación con la misma, una conexión marcada por el impacto social, en la que la demanda de recursos de los seres humanos perpetúa una transformación constante sobre la Tierra, corrompiendo su equilibrio vital y abocando a la misma hacia un destino incierto. Busco representar los éxitos y fracasos de la humanidad como colectivo y especie, determinados por su nivel de responsabilidad social y ecológica dentro del contexto de la globalización”, señala la creadora.

“Desde mi experiencia entiendo el proceso creativo como un procedimiento mental muy ligado a mi cotidianidad. Como artista visual entiendo el arte como una herramienta para la concienciación y, a su vez, la práctica artística me ayuda a relacionarme y a conocer mejor el medio que habito a nivel ecológico y etnológico”, añade.

El proyecto ‘Arqueología del gusto’, la propuesta de cocina creativa creada a partir de la investigación de la alimentación del mundo indígena, continúa con su programación en el Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada, en Gáldar

El día 28 de noviembre, a las 18:00 horas, se llevará a cabo la inauguración de la exposición ‘La forma del tiempo’. La muestra está creada con el objetivo de generar un relato desde la creatividad cerámica contemporánea. Rocío Torres y Gustavo García, artesanos ceramistas de ‘Mira Cerámica’, exponen sus innovadoras creaciones artísticas, producidas para el proyecto gastronómico, pero también las ideas que las modelaron y los procesos creativos que les dieron forma. La muestra permanecerá abierta al público hasta el próximo 3 de marzo de 2024.

Especializados desde hace años en el trabajo en el campo de la restauración, su original propuesta de vajilla, creada en exclusiva para el proyecto cultural-gastronómico ‘Arqueología del gusto’, que promueve el Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada, mano a mano con el chef tinerfeño Marcos Tavío, ha impactado al mismo nivel que los platos que se inspiran en la alimentación indígena de Gran Canaria para elaborar un menú de vanguardia. La exposición presenta un recorrido inspirado en las cerámicas recuperadas en el yacimiento y en el trabajo de recuperación realizado por la restauradora Patricia Prieto, no sólo de las piezas indígenas, sino también de las coloniales, como es el caso de los moldes azucareros.

El recipiente que acoge el gusto

El proyecto ‘Arqueología del gusto. Cocina creativa, Cueva Pintada y la alimentación del mundo indígena de Gran Canaria’ supuso la realización de una propuesta gastronómica concebida por el chef Marcos Tavío. A través de doce degustaciones, el cocinero tinerfeño consiguió aunar la cocina de vanguardia con el conocimiento que se posee, no sólo sobre los productos consumidos por la población canario-amazige, sino también sobre las técnicas empleadas para su preparación y consumo.

De forma paralela, Rocío Torres y Gustavo García (‘Mira Cerámica’) fueron gestando la vajilla que debía acoger cada una de las preparaciones. Las formas, las texturas, los colores, cada elemento diseñado para esta propuesta condensa un complejo proceso en el que al conocimiento de las piezas arqueológicas se unió la capacidad creativa de los ceramistas.

La muestra trata de resumir, al mismo tiempo, el proceso creativo y productivo de las propias piezas cerámicas que fueron desarrolladas en un largo periodo de tiempo. Según explican los propios artistas, “ha sido casi año y medio de prácticas, ensayos y errores, aprendizajes y visitas enriquecedoras, mano a mano con el equipo de Cueva Pintada (restauradora, arqueólogos, científicos, cocineros, productores...)”. Todo ello tan bien sintetizado y desarrollado en la web www.arqueologiadelgusto.com, diseñada por Tomás Correa.

“Hemos hecho una pequeña selección de las diferentes piezas realizadas para el proyecto y las hemos dividido en cinco vitrinas, cada una de ellas acompañadas de paneles explicando cómo hemos interpretado las piezas halladas dentro del yacimiento y su relación con la propuesta del chef”, detallan Gustavo García y Rocío Torres. “Aunque estas piezas fueron diseñadas para formar parte de un menú degustación, también tienen fuerza por si solas, contando una historia más de la forma de entender nuestra cultura”, concluyen los artistas.

Nuevas mesas debate

Prosiguen paralelamente a la exposición las propuestas de mesas de debate en torno al proyecto ‘Arqueología del gusto’. El mismo día 28 de noviembre, tras la inauguración de la exposición ‘La forma del tiempo’, se sucederán dos nuevas sesiones de este espacio de reflexión interdisciplinar sobre el relato gastronómico y cultural de la sociedad canario-amazige.

A las 18:30 horas se inicia la mesa de trabajo denominada: ‘Semillas y ganado, dos historias de resistencia’. La reflexión partirá de una premisa, y es la de que el proyecto ‘Arqueología del gusto’ demostró que podemos seguir comiendo lo mismo que comieron nuestros antepasados aborígenes. “Es hora de rendir un homenaje a todas esas personas que lo hacen posible”, detalla Daniela Cenis, comisaria del proyecto. Participan en esta mesa de debate, de asistencia libre y gratuita, Guacimara Delgado, arquitecta integrante del proyecto Temosen, Natalia y Beatriz Mayor, ganaderas y queseras locales, y José Luis reina, periodista especializado en gastronomía.

Tras esta charla, dará comienzo, a partir de las 20:00 horas la quinta mesa de debate, titulada ‘Cerámica y tiempo’. “Hemos buscado y encontrado a personas que son capaces, no solo de leer las piezas de cerámica, sino de volver a darles vida para hacernos sentir lo mismo que sintieron los que las fabricaron”, detalla Daniela Cenis. El trío protagonista de este diálogo está formado por Patricia Prieto, restauradora del Museo y Parque Arqueológico Cueva Pintada, Rocío Torres y Gustavo García, artistas de ‘Mira cerámica’ y responsables de la exposición temporal ‘La forma del tiempo’.